Últimos espetáculos do festival “Vakhtangov. Caminho para Casa” em Vladikavkaz
Curiosamente, Vladikavkaz não está quebrando recordes de temperatura como Moscou, o termômetro ainda não ultrapassou os 32 graus, e o calor não é tão sufocante, provavelmente devido à proximidade das montanhas. Mas teatralmente, a temperatura sobe à noite, com o início da programação do festival. A frase luminosa numa das pontes centrais sobre o rio Terek, “Sem festa não há espetáculo”, ilustra perfeitamente como a cidade tem vivido a semana teatral. Esta é uma citação de Vakhtangov que, embora incompleta (continua com “Então nossa bondade é sem sentido. E não há como cativar o público”), reflete a existência de uma verdadeira festa teatral em Vladikavkaz. Muito disso se deve ao Teatro Vakhtangov, seu festival e sua equipe. Vale destacar que este é o único teatro federal que, de fato, apoia a cidade natal de seu fundador, influenciando significativamente o desenvolvimento cultural e social desta região distante da capital.
Enquanto a programação de rua ainda gera comparações e discussões com a do ano passado (as opiniões se dividem, embora todos reconheçam que a presença do teatro de rua deu a Vladikavkaz potencial para ser uma cidade carnavalesca), a programação dramática é inquestionável, expandindo a paleta de gêneros. Dois formatos de teatro de bonecos despertaram grande interesse. “Aviator” de Kazan (teatro “Ekiyat”), vencedor da Máscara de Ouro, apesar de uma sala não ideal para seu tamanho, impressionou o público com bonecos de gelo, usando esse material natural como metáfora para explorar a complexa questão da memória – histórica e pessoal.
O musical “Dear Mr. Smith” de São Petersburgo (Teatro na Sadovaya) – um diálogo com música complexa (Paul Gordon) e animação criativa desenhada (artista Vyacheslav Okunev) – também foi aclamado. Isso ocorreu justamente porque Alexei Frandetti abordou a clássica história de mais uma Cinderela americana de orfanato de forma não trivial.
Completamente inesperada foi a peça do Teatro Dramático da Buriátia, nomeado em homenagem a Khotsa Namsaraev, “Khalkhin Gol. Tangarit”, apresentada no grande palco do Teatro Nacional Osseto. Não foi apenas uma peça, mas uma verdadeira revelação sob vários aspectos. Primeiro ponto – o tema. Soa bastante histórico, o que sugere a possibilidade de excesso de solenidade, tratando-se dos 85 anos da batalha entre os exércitos mongol e vermelho contra os invasores japoneses no rio Khalkhin Gol.
Essa data foi o ponto de partida para o diretor artístico e encenador Oleg Yumov. No entanto, o graduado da GITIS, aluno de Sergei Zhenovach, não seguiu o caminho batido do teatro verbatim ou documental, embora a base da peça seja de fato a história real de 16 jovens buriatas, pastoras, que viviam no território da Mongólia. Em um ímpeto de patriotismo, elas quiseram ir para a frente de batalha, mas acabaram em um hospital de campo, onde cuidavam de militares soviéticos e mongóis feridos, realizando trabalhos pesados e carregando feridos do campo de batalha.
Uma delas, Chemеd-Tseren, ainda está viva, com 103 anos. Oleg Yumov viajou à Mongólia para entrevistá-la, e com essa entrevista o dramaturgo Gennady Bashkuev trabalhou, resultando em uma história humana emocionante e terrível sobre a guerra, com um enredo dinâmico, cheio de reviravoltas inesperadas, personagens bem desenvolvidos e soluções de direção surpreendentes. Este é o segundo ponto – a dramaturgia: a história não teme a sujeira e o sangue, que são a essência de qualquer guerra. Ela chama as coisas por seus nomes, às vezes de forma rude e baixa. No entanto, a peça adquire um alcance épico, os monólogos das simples jovens buriatas no final são dignos dos heróis antigos. Além do sangue, horror e sofrimento, há uma forte linha de amor (a jovem enfermeira buriata e o piloto russo Vasily), e a linha ideológica, do final dos anos 30, usada por militares e civis carreiristas como ferramenta de ganho pessoal. Há aqui tudo o que existiu em nossa história, na história da Mongólia e do Japão, que tentou em 1939 estabelecer controle sobre o território mongol. Os mongóis foram auxiliados pelo exército vermelho operário-camponês, em cujas fileiras havia tanto heróis quanto canalhas carreiristas.
A verdade sobre a guerra na peça do teatro da Buriátia está em tudo: nas realidades, nos personagens, na atuação dos artistas – (este é o terceiro ponto) – que parecem não ser atores, mas nômades, pastores, médicos e militares que se encontraram nas circunstâncias propostas. Circunstâncias que nem todo homem forte suportaria, e aqui são jovens, simples, do campo… Há 8 delas no palco, das 16 que estiveram naquele verdadeiro hospital de campo.
Mas não são nômades, e sim artistas bem treinados na “Shchuka” de Moscou e no LGITMIK de São Petersburgo. “Basta atuar sem atuar”, explicou-me depois da peça o diretor Oleg Yumov, que criou um espetáculo maravilhoso onde não há nada supérfluo, artificial. Na decoração – yurtas brancas, panos brancos sobre elas, parecendo asas de pássaros brancos, mas com contorno afiado e brusco (artista Seseg Dondukova). Em forte união com a decoração está a videografia (Bair Batyev). A música de Anastasia Druzhinina e Yuri Banzarov, com raízes nacionais, é tanto fundo quanto essência do que acontece. Finalmente, o diretor utilizou elementos de antigos mitos nacionais, que se encaixam facilmente nesta história tão recente.
E o que é surpreendente, os artistas da Buriátia poderiam ter encenado a peça em sua língua nativa, mas eles aprenderam mongol, pois a história trata de buriatos que viviam em território mongol. Para os artistas, isso não foi tão simples, pois na própria Buriátia existem 21 dialetos com suas peculiaridades. Além disso, uma das artistas, por ter nascido em uma determinada região, não entende a língua buriata e fala apenas mongol. E, no entanto, aprenderam, e atuam.
Como me contou o diretor, a peça já foi apresentada em seis cidades da Mongólia, e os mongóis modernos ficaram maravilhados com o fato de sua história ser contada por buriatos da Rússia.
Chemеd-Tseren, de 103 anos, também assistiu à peça. Ela aparece na tela no final. Perfil nobre, marcado pelos ventos centenários. Ela é como a própria verdade, e sua verdade correspondeu à verdade cênica, que facilmente dispensou o conjunto usual da modernidade no figurino (aqui há roupas nacionais do campesinato pobre, jalecos brancos e túnicas militares), no adereço (busto de Sukhbaatar, tinas antiquadas). Até a animação repete as características das estruturas dos aviões de sua época.
A programação será encerrada pelos bonecos do teatro de Ryazan – a estreia da temporada “Mary Poppins”. E esta encenação de Anna Koonen não é apenas para crianças.
