O artista Alexander Trifonov reflete sobre sua filosofia criativa: da dedicação monástica ao lugar da IA na arte contemporânea.
As obras do artista contemporâneo Alexander Trifonov capturam instantaneamente a atenção: elas provocam um sorriso, risos ou profunda reflexão. Seu estilo único e não-realista é inconfundível. Conversamos com Alexander sobre os principais motivos de sua obra, suas fontes de inspiração, o conceito da “terceira vanguarda russa” e seus projetos futuros.
«O Pai não se dedicava a críticas»
Meu pai não era um crítico, mas sim um inspirador. Minhas primeiras impressões artísticas estão ligadas aos desenhos infantis, que ele sempre encorajava, providenciando papel no momento certo. Seu apoio foi inestimável, especialmente quando enfrentei dificuldades criativas na idade adulta. Ele nunca me pressionou, mas me ajudou a superar os “impasses criativos”. Em nossa casa, havia uma atmosfera de profundas discussões sobre os clássicos e interações com figuras literárias proeminentes, o que, sem dúvida, me moldou. Para mim, a arte é um serviço, um caminho quase monástico, que exige constante auto-renovação, apesar dos sucessos e fracassos.
Sobre a Multidimensionalidade
Minha atividade artística abrangeu o teatro, temas musicais e diversas ilustrações de livros para autores como Alexander Shirvindt e Vladimir Vasiliev. Essa diversidade, embora às vezes me distraísse, sempre me enriqueceu, fornecendo novos enredos. Eu não procurava copiar o caminho de ninguém; a vida mesma me conduziu a diferentes projetos. Meu estilo se formou organicamente, baseando-se nas conquistas do século passado.
Sobre o Trabalho com o Pai
Trabalhar nos livros do meu pai, um editor renomado, não era fácil. Na juventude, minhas tentativas de ilustrar livros nem sempre eram bem-sucedidas, e ele contratava outros artistas. Mais tarde, quando me tornei um artista mais maduro, ele usava minhas obras com prazer nas capas. Atualmente, estou lançando um livro dele, e minha pintura na capa serve como uma espécie de “locomotiva”, atraindo a atenção. Nós nos tornamos artisticamente inseparáveis.
«Os Contemporâneos não devem te entender»
Chamo meu estilo de “recepcionalismo”, buscando uma fundamentação científica que o vincule ao latim “receptio” — apropriação, reprodução. Embora alguns sejam céticos em relação a tais “ismos”, eu aprecio isso. Interessa-me observar como a inteligência artificial começa a reconhecer e interpretar minha arte, vendo nela o futuro. Um artista não deve trabalhar para seus contemporâneos, mas para as futuras gerações, para que sua arte “ressoe através do tempo”. Meu pai me ensinou a ver o mundo pelos olhos de uma pessoa do futuro, o que me ajuda a me distanciar da crítica momentânea e a continuar evoluindo.
Sobre os Desafios do Caminho
Na Rússia, por muito tempo predominou a ideia de que a arte deveria ser realista, e eu frequentemente era criticado como vanguardista. No entanto, no exterior, meu estilo foi recebido como maduro e interessante. Felizmente, hoje o público russo tornou-se mais aberto a diversas formas de arte, e não há mais a antiga reverência exclusiva pelo academicismo, o que torna a vida do artista mais livre e fascinante.
«Na juventude, fui extremamente reacionário»
Segundo a poetisa Nina Krasnova, minhas pinturas dizem: “Quão condicional é o mundo real, quão real é o meu mundo”. Na minha juventude, meu mundo era severo e “reacionário”. Eu apreciava pinturas sombrias e “assustadoras”, inspiradas no ascetismo dos anos 90. O motivo das garrafas, que para mim eram como pessoas, tornou-se central. Desenvolvi esse tema por muito tempo, retratando garrafas nas mais diversas interações, chegando a realizar uma exposição “Amor à Garrafa”. Retornei a ele apenas uma vez, 15 anos depois, na pintura “Mozart e Salieri”, onde a garrafa com veneno era essencial para o enredo. O motivo da garrafa nasceu no teatro, quando eu fazia esboços de frames de peças.
Os Anos 90 e o Protesto
Minha pintura “Direito à Reprodução” dos anos 90, que lembra “Madonna com o Menino”, era um desafio à futilidade da existência. Era um protesto contra a ideia de que as pessoas nascem condenadas a um fim conhecido. Fui banido de exposições por trabalhos como este, mas continuei a organizar as minhas próprias. A pintura “O Café da Manhã do `Moskovsky Komsomolets`” reflete o espírito dos anos 90: humor e tristeza simultaneamente, otimismo e melancolia, e faz alusão às notícias criminais nas primeiras páginas dos jornais.
A Cabeça Rachada
O motivo da cabeça rachada, simbolizando a futilidade da existência humana e o vazio interior, mudou com o tempo. Inicialmente, os ângulos eram suaves, mas depois tornaram-se mais agudos, conferindo-lhes uma tragicidade. Gradualmente, abandonei essa abordagem e eu mesmo me tornei, talvez, mais “burguês”.
Pit e Anúbis
O cão Pit, meu amado companheiro por 15 anos, inspirou um retrato romântico. Em busca de novos temas, como Tsoi em busca de novas canções, viajei ao Egito, o que resultou na pintura “Anúbis” – uma continuação dessa história. A escolha do tema é sempre uma tarefa séria para mim; eu amadureço as ideias em vez de criar sem um propósito definido.
«Se você quer ser um artista, precisa se manifestar»
Voltando à síntese das artes em minha biografia criativa, a história dos instrumentos musicais que aparecem em minhas obras me cativou e impressionou. Principalmente cordas e teclados…
Em uma das escolas de música de Vilnius, minhas pinturas foram expostas, e depois me disseram que eu era um artista muito musical, o que foi agradável e surpreendente, pois não sou da área da música, nem conheço bem o assunto. Uma das minhas primeiras obras é “Rostropovich”. E a forma do violoncelo me é muito próxima — ele ganha vida, e depois o contrabaixo e os teclados o desenvolvem. O tema me agrada, ao contrário da natureza caótica; nos instrumentos musicais há lógica, clareza: cordas retas, teclas retas, o que se alinha à minha percepção composicional rigorosa.
A Lógica no Teatro
Sim, essa lógica era perceptível também em meus primeiros trabalhos sobre teatro, onde comecei como montador de palco e me interessava por aspectos técnicos — varas, refletores, coxias, que me inspiravam.
A Terceira Vanguarda
Sou chamado de líder da “terceira vanguarda russa”, o que é recebido com uma certa dose de humor. Se a primeira vanguarda foi no início do século XX, e a segunda nos anos 60-80 (os não-conformistas), então nós somos a “terceira onda”. Para ser artista, é preciso se manifestar, então encaro essa definição com tranquilidade, embora a palavra “vanguarda” seja hoje bastante fluida.
O Futuro da Criação
Minha trajetória atual inclui a síntese das artes e a transformação de obras clássicas, por exemplo, estou reinterpretando o “Retrato do Cardeal Alessandro Farnese” de Ticiano. Sinto-me como um diretor que monta “A Gaivota” de Tchekhov à sua própria maneira. Por que um artista não teria o direito de reinterpretar temas medievais clássicos? Isso me interessa. Como meu pai uma vez disse: “Você deve pintar toda a arte mundial”.
Sou movido pelos temas do amor, da vida e da morte, por mais banais que possam parecer; sinto-me bem com a história, sou fascinado pela paisagem e gosto de planos horizontais. Ilustrei muitos escritores. A literatura, aliás, é uma fonte inesgotável de enredos. Gostaria de refletir sobre a literatura mundial. A poesia é algo profundo, talvez não esteja na moda hoje… Mas acredito que a humanidade voltará a ela.
Em certo momento, diziam-me que as pinturas não eram mais necessárias, que toda a arte contemporânea se voltava para o objeto e a performance. Agora, é até engraçado ouvir isso! O mundo virou de cabeça para baixo, e todos precisam de pinturas novamente!
