Uma visão geral dos eventos musicais da temporada teatral que passou.
Ao contrário da temporada teatral e de concertos anterior, caracterizada pela tentativa de muitos artistas de se distanciarem das turbulências globais, refugiando-se numa “emigração estética”, o ano atual marcou uma virada para uma expressão aberta e sincera. Possivelmente, a ideia nacional-patriótica, que em mais de uma ocasião elevou a cultura russa ao patamar de legisladora mundial das formas artísticas, precisava amadurecer. Não é impossível que, nos altos escalões, tenha surgido a sensata percepção de que os predecessores – desde Nicolau I e seu sábio ministro Conde Uvarov até Estaline e seu séquito bastante esclarecido – não deram atenção tão acentuada às artes, incluindo o teatro e a música, sem um bom motivo. De qualquer forma, a temporada foi rica em eventos, manifestando um novo vetor patriótico na cultura nacional, que antes havia sido rejeitado pela corrente liberal.
A Primeira Ópera sobre a SVO
O drama musical, essencialmente uma ópera intitulada “Alyosha”, foi apresentado pela primeira vez no Palácio da Cultura MEI como uma prévia, e depois na íntegra. A ópera foi composta por Andrey Komissarov com libreto de Oleg Naydenyshev. Ela se baseia no famoso filme soviético “A Balada de um Soldado” de Valentin Yezhov e Grigory Chukhray. O protagonista, tanto do filme quanto da ópera, é um jovem soldado russo, participante da Grande Guerra Patriótica. A ação se desenrola em Lugansk, no Donbas. No contexto dos eventos militares atuais, os nomes geográficos e as realidades da trama adquirem novas e profundas conotações. As paralelos e analogias com os acontecimentos da Operação Militar Especial (SVO), naturalmente, não são acidentais. Os autores habilmente entrelaçam na narrativa cênica da guerra passada certos sinais da guerra futura, ou seja, do nosso presente. Isso é feito com extrema delicadeza e talento.
A primeira performance da partitura foi apresentada pela orquestra da Guarda Nacional Russa, sob a direção de Azat Shakhmukhametov, e a segunda foi executada pela Orquestra Estatal do Kremlin, sob a regência de Konstantin Chudovsky. A partitura de Komissarov é uma verdadeira ópera contemporânea do século XXI, na qual a complexidade académica a priori de uma ópera séria se combina harmoniosamente com a clareza da linguagem “pós-musical”, com sua melodia e caráter genérico. Sem dúvida, uma obra como essa merece ser encenada não num Palácio da Cultura, mas num bom teatro de ópera – um que não tema partituras modernas, experimentações e a busca pelo novo. Felizmente, tais teatros existem em Moscovo. No entanto, é mais difícil encontrar um que não hesite em incluir em sua programação uma peça sobre um soldado russo libertador.
O Retorno do Grande Estilo Imperial
A chegada de Valery Gergiev à liderança do Teatro Bolshoi na última temporada rendeu frutos notáveis. Durante quase toda a temporada, o repertório de ópera readquiriu as características do grande gênero imperial, há muito perdidas. Após um intervalo de mais de 10 anos, a ópera “Ruslan e Lyudmila” de Glinka retornou à programação. Embora tenha sido uma transferência da antiga produção do Teatro Mariinsky, este é um caso em que “antigo” não significa “obsoleto”. Afinal, é difícil chamar de obsoletas as obras dos artistas Alexander Golovin e Konstantin Korovin, que criaram cenários e figurinos já em 1904, ou a coreografia de Mikhail Fokin, desenvolvida para a mesma produção. Assim, agora os espectadores podem ir com confiança ao Bolshoi para assistir a “Ruslan”, sem o receio de ver em cena, em vez das mágicas donzelas de Naina, figuras contemporâneas com “baixa responsabilidade social”. Em seguida, houve a estreia de “Rigoletto” de Verdi, uma produção original do diretor Giancarlo del Monaco. Mas o principal evento, sem dúvida, foi a estreia da ópera “Semyon Kotko” de Sergei Prokofiev, que encerrou a 249ª temporada do Teatro Bolshoi.
Os encenadores Valery Gergiev e Sergey Novikov, com este espetáculo, formularam um verdadeiro manifesto da nova arte nacional: material da mais alta qualidade, execução magistral e um sentido abertamente patriótico. Esta nova tríade pode vir a ser um vetor da política cultural do Estado, se, claro, resistir à oposição da elite liberalmente orientada do “iceberg cultural”. Em “Semyon Kotko”, as três condições se uniram. A partitura de Prokofiev é uma verdadeira obra-prima da arte operística do século XX. Música esplêndida, um enredo interessantíssimo que, apesar de sua clareza ideológica, não tem um pingo de pobreza propagandística. É curioso que a estreia não tenha deixado indiferente o círculo liberal-emigrante. Nas redes sociais, “criticou-se” tudo – primeiramente a videoprojeção do memorial erguido na Tumba Aguda em Lugansk, que aparece durante a execução do coro “Zapovit” com texto de Taras Shevchenko. Sobrou até para o próprio Prokofiev, que, ao que parece, teria escrito uma ópera ruim e oportunista. Sobre a performance, eles preferem o silêncio – é difícil, claro, lutar contra um nível tão evidentemente alto de músicos e cantores. Essa reação dos detratores é mais uma confirmação da correção do caminho escolhido. Além disso, há um argumento crucial: a reação do público, que aplaudiu os criadores e participantes do espetáculo com uma ovação agradecida.
Grandeza em Pequeno Formato
Às vezes, até mesmo uma pequena produção, que pode ser vista por não mais de 100 espectadores por vez, torna-se a sensação da temporada. Foi exatamente o que aconteceu com o espetáculo “São Petersburgo – Petrogrado – Leningrado”, encenado por Ivan Popovski no Teatro de Música e Poesia de Elena Kamburova. Essa apresentação não se encaixa nos limites de um gênero definido. Há performance, uma instalação de alta qualidade, plasticidade cénica e truques fantásticos, mas o principal é a música de Dmitri Shostakovich, tocada e cantada ao vivo em arranjos originais de Oleg Sinkin. O espetáculo é um hino a uma grande cidade, pela qual todos que a visitam se apaixonam à primeira vista. Sua beleza e mistérios, história e cultura, heroísmo e fé — tudo isso se tornou o enredo de uma ação de uma hora e meia, na qual a orquestra e quatro artistas, sem pronunciar uma única palavra, realizam um ritual musical-teatral sagrado.
O impacto de “São Petersburgo…” é um exemplo claro de como a notícia de um verdadeiro sucesso criativo se espalha rapidamente entre os amantes do teatro. Nenhuma campanha de relações públicas cara se compara à eficácia do nosso orgânico “boca a boca”.
O “Helikon-Opera” Consagra o Novo Gênero da Cine-Ópera
Com a estreia da versão cinematográfica de “La Traviata”, o teatro “Helikon-Opera”, em colaboração com o canal de televisão “Culture”, finalmente consolidou o surgimento de um novo tipo de adaptação cinematográfica de espetáculos de ópera. O projeto “Teatro no Cinema” não é de forma alguma uma mera gravação mecânica de peças em vídeo, o que não só não ajuda o teatro, mas, pelo contrário, pode destruir a expressão teatral ao vivo. A ideia aqui é fundamentalmente diferente: combinar tecnologias teatrais e cinematográficas, usar as possibilidades do cinema para expandir a paleta visual e sonora, introduzir elementos da linguagem cinematográfica na realidade teatral e, no final, criar um novo produto multidisciplinar. Começando com a “Dama de Espadas” do Helikon, os criadores do projeto encerraram a temporada com “La Traviata”. A estreia foi orquestrada como um verdadeiro evento cinematográfico: tapete vermelho, celebridades, sessões de fotos, entrevistas com estrelas e até pipoca.
Além dos inegáveis méritos artísticos deste produto teatral-cinematográfico, há outro aspeto importante: a popularização da ópera clássica. Os números falam por si: “La Traviata” foi exibida 7 vezes no palco do Helikon na última temporada, o que significa que 3.416 espectadores assistiram à peça. A estreia do filme ocorreu em meados de junho. Em um mês e meio, de acordo com a contagem oficial, 56.799 espectadores viram a “La Traviata” no cinema, incluindo o público no exterior.
Parabéns pelos seus Jubileus, Caros Maestros!
Na temporada que se encerrou, foram celebrados os jubileus de quatro compositores notáveis que, apesar de sua singularidade, compartilham uma semelhança: suas músicas são amadas, conhecidas e ouvidas em toda parte há muitas décadas. E mesmo as impressionantes datas comemorativas – 95, 80, 80 e 85 anos para Alexandra Pakhmutova, Maxim Dunayevsky, Alexey Rybnikov e David Tukhmanov, respetivamente – não afetam sua produtividade criativa, e eles continuam a encantar e surpreender os amantes da música com novas obras.
Poderíamos falar de cada um deles indefinidamente. Seu legado não são relíquias de museu, mas música viva que continua a ressoar e a conquistar fãs entre as gerações do século XXI. Todos os quatro são compositores diplomados com formação superior especializada, obtida no Conservatório de Moscovo (Pakhmutova, Rybnikov, Dunayevsky) e no Instituto Gnessin (Tukhmanov). Isso significa que eles são músicos capazes de criar partituras repletas das mais complexas fórmulas da linguagem musical. No entanto, todos eles escolheram um caminho diferente: criar para as pessoas numa linguagem humana compreensível, compor belas melodias capazes de despertar emoções e sentimentos sinceros na alma.
Parece tão elementar: um compositor moderno só é necessário quando sua música é desejada. Caso contrário, o melómano facilmente se contentaria com a música clássica, abundantemente criada nos últimos trezentos anos. Infelizmente, nem todos os autores de hoje compreendem isso e preferem ficar dentro de seu próprio círculo profissional, suprimindo assim a demanda (que existe, sem dúvida) pela música acadêmica. Contudo, os jubilados da temporada passada, que em vida alcançaram o status de clássicos, provaram e continuam a provar que a música contemporânea talentosa é necessária para as pessoas em todos os tempos.
