O “Helikon-Opera” inaugurou a nova temporada com uma produção triunfante de uma obra inicial de Sergei Prokofiev
O “Helikon-Opera” apresentou a rara ópera “Maddalena” de Sergei Prokofiev – uma verdadeira descoberta musical. Esta partitura, envolta em mistério, raramente aparece nos palcos. O maestro Valery Kiryanov, o diretor Ilya Ilyin e o cenógrafo Rostislav Protasov criaram uma atmosfera de um misterioso, vicioso e apaixonado Carnaval de Veneza, envolvendo não apenas os artistas, mas também o público.
Antes do início do espetáculo, os espectadores desavisados se reuniam tradicionalmente no foyer, aguardando a abertura das portas da Sala Colunada de Shakhovskaya. No entanto, em vez de serem convidados para o salão, o foyer foi preenchido por personagens inusitados: damas e cavalheiros elegantes em trajes pretos, chapéus extravagantes e máscaras venezianas iniciaram uma dança refinada. O foyer transformou-se magicamente em um espaço carnavalesco, onde a Baronesa Francesca (Ksenia Lisyanskaya) reinava. Ela narrou uma das lendas venezianas – a história da bela Paola, que, vendo-se apenas em espelhos distorcidos, acreditou em sua própria feiura. Os artistas Vagif Turabov, Kristina Muntyanu e Nikolay Patsyuk encenaram esta intermédio no estilo da commedia dell`arte. A música de Respighi, Gesualdo, Handel transportou a audiência para a era barroca, e o contratenor Vagif Turabov evocou as tradições do canto castrato. O efeito de imersão foi tão profundo que, ao se deslocarem para a Sala Shakhovskaya, os espectadores facilmente perceberam a partitura modernista do século XX no contexto da estética barroca.
Nos tempos atuais, parece improvável descobrir novas e desconhecidas facetas da cultura musical, especialmente quando se trata de um clássico tão proeminente do século XX como Sergei Prokofiev. No entanto, a história de “Maddalena” representa um verdadeiro mistério histórico-musical. Escrita por Prokofiev em 1913, quando, recém-formado no Conservatório de São Petersburgo, ele tinha pouco mais de 20 anos, “Maddalena” já demonstrava traços marcantes de seu estilo único e a direção de sua busca criativa. Como aluno de Rimsky-Korsakov e Lyadov, Prokofiev afastou-se corajosamente da estética de seus mestres. Hoje, é particularmente fascinante descobrir os artifícios tipicamente prokofievianos, traçando-os através de explosões expressionistas, que lembram Richard Strauss, delicadezas impressionistas no estilo de Debussy e linhas vocais inspiradas em Mussorgsky. A ópera não pôde ser encenada na época. A principal razão foi a complexidade incomum da linguagem musical para aquele período, que era completamente inatingível para jovens cantores (Prokofiev, à semelhança de Tchaikovsky, planejava encená-la no estúdio de ópera do conservatório) – definitivamente não era “Eugene Onegin”. A partitura permaneceu na forma de um piano-vocal, nunca foi orquestrada e, depois, desapareceu completamente. Após isso, seguiu-se a vida agitada do compositor: emigração, rivalidade criativa com Stravinsky, retorno à URSS, adaptação ao ambiente cultural soviético, criação de novas e grandiosas obras operísticas, baléticas e sinfônicas… É possível que Prokofiev tenha esquecido essa sua ópera de apenas 45 minutos.
Contudo, como diz o ditado, manuscritos não ardem. O compositor britânico Edward Downes orquestrou o piano-vocal, capturando com precisão a estilística do Prokofiev tardio. A estreia mundial ocorreu em 1981. E, a partir daquele momento, contrariando as expectativas, a ópera não se tornou uma obra frequentemente encenada. Até hoje, ela permanece uma rara visita nos palcos dos teatros russos. Por isso, a sua aparição no repertório do “Helikon” é um verdadeiro presente para os verdadeiros apreciadores do gênio de Prokofiev.
Para as produções realizadas na Sala Shakhovskaya, já se estabeleceram cânones específicos de soluções cênicas, ditados pela singularidade do espaço. A orquestra localiza-se ao fundo, separada do palco por uma cortina semi-transparente. O pódio cênico é um pequeno quadrado no centro da sala. Os assentos do público formam um quadrado ao redor desse pódio. Os artistas estão em estreita proximidade com a plateia, permitindo sentir sua respiração, observar cada traço do rosto, os menores detalhes da maquiagem e dos figurinos. Este é um formato teatral único, bastante comum em produções dramáticas, mas excepcionalmente raro na ópera.
Maddalena, interpretada por Olga Tolkmit, surge bela, ruiva, apaixonada e muito erótica. “Erotismo” é a palavra-chave para compreender a intensidade e a tensão da ação da ópera. A cena entre Maddalena e seu marido Genaro (David Posulikhin) serve como um excelente exemplo de preliminares artisticamente elevadas. Os cônjuges apaixonados levam um ao outro ao clímax da excitação erótica, fazendo-o exclusivamente por meios musicais, sem, no entanto, quebrar os limites do bom gosto e até mesmo da castidade.
No entanto, desde o início, fica claro que algo não está certo com Maddalena. Quando o amigo de Genaro, Stenio (Dmitry Yankovsky), cuja condição pode ser perfeitamente qualificada como “psicose maníaca”, aparece, a situação se esclarece. Maddalena leva uma vida dupla: esposa amorosa para Genaro e amante anônima para Stenio, e, possivelmente, não apenas para ele. Assim, o século XX oferece sua versão do triângulo amoroso, onde a mulher não só pode amar quem quiser (como Carmen já fazia), mas também se entregar livremente aos prazeres sem quaisquer restrições morais. Não é à toa que o libreto da ópera foi escrito por uma certa socialite Magda Orlova – mesmo que não seja uma obra-prima literária, é uma saudação vívida da Era de Prata russa para Lars von Trier com sua “Ninfomaníaca”.
O trabalho dos artistas é de filigrana. Eles conseguem combinar com maestria os exageros expressionistas inerentes ao material musical com a veracidade e a precisão psicológica. Não uma veracidade cotidiana, claro, mas uma puramente operística, que organicamente engloba o pathos e a passionalidade.
A orquestra, sob a regência do maestro Kiryanov, executa um fluxo contínuo de episódios contrastantes em conteúdo emocional e textura, com solos habilmente tocados e tuttis vibrantes. No cinema, por sugestão de Eisenstein, isso é chamado de “montagem de atrações”. A orquestração de Downes está alinhada com a dramaturgia musical do século XX, que pressupõe um ritmo frenético de eventos. Valery Kiryanov sente e controla com maestria esse ritmo, conduzindo consigo músicos da orquestra, solistas e o público.
No final da ópera, os homens, dominados pelo ciúme, matam-se mutuamente. Maddalena, por sua vez, não está nem um pouco perturbada. Pelo contrário – está satisfeita. Pois ela ocupará seu lugar na galeria de personagens femininas imorais da música operística do cruel século XX, incluindo Salomé e Katerina Izmailova.
