Setenta anos sem Pyotr Konchalovsky, o “selvagem russo” e mestre do “Valete de Diamantes”.
Fevereiro une as datas memoráveis ligadas ao nome do grande pintor Pyotr Konchalovsky: ele nasceu em 21 de fevereiro de 1876 e faleceu em 2 de fevereiro de 1956, exatamente 70 anos atrás. Sua jornada artística foi cheia de contrastes: ele começou como um dos mais brilhantes vanguardistas e líder do grupo “Valete de Diamantes” (os “fauves russos”), mas com o tempo, seu estilo sofreu mudanças significativas, embora apenas aparentes. Relembramos os momentos cruciais da biografia do mestre e analisamos os princípios de vida que ele nos legou.
Não Tenha Medo de Ser Você Mesmo
Konchalovsky recordava os primórdios dos anos 1910: “O que nos unia era a necessidade de atacar a pintura antiga.” Em 1910, uma exposição em Moscou, apresentando Konchalovsky, Mashkov, Larionov, entre outros, gerou um escândalo. O público não encontrou academicismo nem realismo, mas sentiu um influxo de juventude, audácia e espírito revolucionário. A imprensa, como a “Moskovsky Listok”, descreveu suas obras como “um hospício multicolorido, produto de um cérebro em decomposição”.
Contudo, o poeta e crítico Maximilian Voloshin reconheceu o talento do grupo, destacando seu “instinto pictórico” e “sinceridade audaciosa”. Esta exposição impulsionou a criação da associação “Valete de Diamantes”. Os artistas se inspiravam nos fauves europeus, especialmente em Matisse e Cézanne. O termo “fauvismo” (do francês *fauve* – “selvagem” ou “feroz”) surgiu porque os críticos franceses chamavam esses pintores de “selvagens”.
Konchalovsky tinha 34 anos quando o “Valete de Diamantes” se formou. Ele havia se afastado conscientemente dos cânones clássicos. Um ponto de virada foi a viagem a Belkino em 1907. Sua esposa, Olga Konchalovskaya, escreveu mais tarde: “Pyotr Petrovich iniciou uma linha de trabalho totalmente nova, encontrando seu caminho após muitos anos de buscas atormentadas.”
A linguagem artística de Konchalovsky daquela época era marcada pela opulência. Ele não apenas aplicava tinta, mas a “esculpia”, enfatizando a massa e o volume dos objetos — a chamada materialidade radical. As pinceladas eram densas e as cores, embora não realistas, eram usadas para construir a forma. Se um objeto aparecia ao lado de uma pessoa, ambos eram percebidos em pé de igualdade; o objeto não era mero complemento, mas parte intrínseca do retrato.
A natureza-morta se tornou o gênero preferido, como expressão dessa materialidade. Em sua obra “Natureza-morta. Bandeja e Cartão Verde”, todos os objetos, da bandeja pintada à caixa de papelão, têm igual importância, dissolvendo a hierarquia entre primeiro e segundo plano. A lição de Konchalovsky dos anos 1910 é: não ter medo de arriscar e buscar constantemente a si mesmo.
A Família é o Seu Universo
O diretor Nikita Mikhalkov, neto do artista, dedicou dois filmes documentários comoventes a seus pais, Sergei Mikhalkov e Natalya Konchalovskaya — “Pai” e “Mãe”. Natalya, a mãe do diretor e poetisa, é o tema do famoso retrato “Natasha na Cadeira”.
A obra de Pyotr Petrovich, vista em perspectiva, é uma crônica visual de sua família, um análogo pictórico do que seu neto faria no cinema. Ele retratou sua esposa, seus filhos (Natalya e Mikhail), seus irmãos e netos. “Natasha na Cadeira” é um exemplo claro do período “fauve”: o fundo vermelho ativo, a escolha não tradicional de cores para o rosto (tom ocre, bochechas ruivas, lábios brilhantes) e o uso de pinceladas verdes grossas para o braço da criança criam um efeito de espontaneidade encantadora.
Pyotr Petrovich era um homem de família devotado. Ele respeitava profundamente a opinião de sua esposa, Olga Surikova (filha do grande Surikov), que era uma crítica rigorosa de seu trabalho. Se Olga desaprovasse uma tela, Konchalovsky aplicava uma nova base para um novo trabalho.
Um detalhe comovente da vida familiar: ele permitia que seu neto Andrei (o futuro diretor Andrei Konchalovsky) lavasse seus pincéis, desde que o menino se comportasse bem.
A Vida Como Ela É
Uma análise cronológica das obras de Konchalovsky revela que, na segunda metade da década de 1920, seu estilo evoluiu e o realismo prevaleceu. Após ser ferido na Primeira Guerra Mundial, ele permaneceu na Rússia após a Revolução e não tentou emigrar. Sua posição na jovem União Soviética era sólida: Anatoly Lunacharsky o apoiava, e na década de 1940, Konchalovsky tornou-se um dos primeiros acadêmicos da Academia de Artes da URSS, Artista do Povo e laureado com o Prêmio Stalin de 1º Grau.
Seria simplista ver essa evolução como mera conveniência política. Pelo contrário, o período vanguardista foi, para ele, uma forma de intensificar sua conexão com a realidade. A materialidade radical de suas primeiras obras o ancorou, servindo como um marco para um realismo diferente daquele com que ele havia começado. Numa época em que a arte ruía, Konchalovsky trabalhava para restaurar a vida através da forma e da tangibilidade do mundo.
No período pós-revolucionário, ele não se envolveu em trabalho de propaganda. Seu caminho artístico, baseado em poderosa textura pictórica, cor ativa e “corporeidade” da imagem, já estava estabelecido e se encaixava perfeitamente na nova estética. Ele frequentemente retratava a *Syringa* (Lilases). Estes arbustos comuns resolveram muitos problemas pictóricos que o mestre enfrentava.
Ele disse: “Em cada flor, especialmente nos lilases… é preciso desvendar os segredos, como numa clareira na floresta, até que as leis surjam das combinações que parecem acidentais. Se você trabalhar por duas horas, sua mente começa a divagar — em vez de flores, surgem alguns sons… Este é um exercício grandioso para qualquer pintor.”
Em suas naturezas-mortas tardias, reside uma ideia crucial: é hora de notar cada detalhe — da beleza de uma folha de repolho crespa ao charme de uma ponta de cenoura rendilhada. Nisto não há vulgaridade nem primitivismo, mas sim a graça e a beleza da própria vida.
