O Teatro Gógol deu início à sua 101ª temporada com a estreia de “Crime e Castigo”
A 101ª temporada do Teatro Gógol foi inaugurada com a estreia de “Crime e Castigo”. A produção do diretor artístico Anton Yakovlev revelou-se bastante extraordinária, tanto na sua concepção artística quanto nas interpretações dos atores, muitas das quais representaram uma verdadeira revelação.
Desde o primeiro momento, Anton Yakovlev estabelece um nível intenso de atuação, criando no palco um turbilhão de personagens e adereços que parece prestes a se transformar em uma tempestade capaz de envolver o auditório. Dez personagens giram rapidamente dentro de estruturas retangulares ocas, que lembram ora um armário apertado, ora uma mesa virada, ora um caixão. Essas próprias estruturas são movidas no palco pelos atores. Com ou sem pessoas dentro, elas parecem passar voando ou colidir com Rodion Raskólnikov, que jaz curvado e tremendo em uma caixa idêntica.
Diante de nós surgem os personagens-chave do romance de Dostoiévski: o investigador Porfírio Petrovitch, Svidrigáilov, Marmeládov com Katerina Ivanovna e sua filha Sônia. Também estão presentes a velha agiota e sua irmã Lizaveta Ivanovna. Uma figura enigmática com o rosto oculto por um capuz também aparece. Cada personagem oferece sua versão dos acontecimentos, tentando compreender por que Rodion Romanovitch, com um olhar completamente perturbado, parece perder a razão. Será que ele realmente matou a velha e sua irmã? Ele se considerava acima dos outros, com o direito de fazê-lo? Tudo isso parece um tipo de delírio.
O primeiro ato da peça se desenrola como um experimento investigativo, liderado por Porfírio Petrovitch. Dmitry Vysotsky, no papel do investigador, impõe um ritmo enérgico à investigação e a conduz com tanta maestria que, mesmo na turbulência cênica, as histórias dos participantes e os fragmentos do evento se encaixam em uma sequência lógica. A adaptação, desenvolvida pelo diretor em colaboração com a experiente dramaturga Elena Isaeva, contribuiu significativamente para isso. Na sua encenação, a linearidade está ausente; os eventos são apresentados como lampejos de memória, um sonho febril de Raskólnikov, seu esquecimento e uma tentativa de se proteger da verdade insuportável de seus atos.
É interessante notar que as estruturas retangulares que servem como cenário são uma referência às obras do pintor belga Magritte. Montadas em dobradiças, essas “caixas” conferem ao cenário uma sensação de instabilidade e precariedade inquietantes, que refletem perfeitamente o estado interno do protagonista e seu entorno. O papel de Rodion Raskólnikov foi atribuído a Vasily Neverov, um ator que antes se especializava em papéis de caráter no Teatro Tabakov e depois no Teatro Gógol. Incomumente grande para a imagem de Raskólnikov, ele se apresentou sob uma luz completamente nova, e o diretor Yakovlev deve ser grato por revelar um ator tão interessante e expressivo para papéis heroicos. No entanto, esta não é a única revelação de atuação nesta produção.
No estado nervoso, quase insano de Raskólnikov, outras qualidades emergem periodicamente: uma ternura silenciosa, uma vulnerabilidade infantil, uma dor cujas raízes remontam à infância. Um episódio de um passado distante ressurge durante o experimento investigativo: na frente do jovem Rodi, de sete anos, homens matam um cavalo a sangue frio por diversão. E o pai do menino não interveio. Este episódio biográfico crucial foi colocado por Yakovlev no final do primeiro ato.
O final choca pela sua irrealidade, e isso é conseguido não apenas pelo cruel assassinato do cavalo, mas, principalmente, pela atuação virtuosa da atriz Alena Goncharova. Não é apenas um estudo escolar de primeiro ano, mas um papel profundamente trágico e poderoso, capaz de arrancar aplausos estrondosos ou mergulhar o público em transe. Naquele momento, um silêncio sepulcral pairava na sala.
Nesta encenação, Alena também desempenha o papel de Lizaveta Ivanovna e da figura misteriosa encapuzada, que ocasionalmente, como um eco, repete o delírio incoerente de Raskólnikov, introduzindo assim o tema do duplo na peça. Este tema é abordado e desenvolvido por outros talentosos artistas, cada um dos quais também interpreta vários papéis: Anna Gulyarenko (agiota, Pulcheria Alexandrovna), Yanina Tretyakova (Sônia), Maria Lisovaya (Dunia, secretária), Andrey Kondratiev (Luzhin, dono do cavalo), Irina Vybornova (Katerina Ivanovna, visitante), Andrey Rebenkov (Marmeládov, Nastena, camponês), Alena Goncharova (Lizaveta, cavalo), Dmitry Vysotsky (Porfírio Petrovitch) e Andrey Finyagin (Svidrigáilov, advogado). É Finyagin quem domina o segundo ato. Seu personagem se torna um espelho sombrio para Raskólnikov e, em certa medida, para Porfírio Petrovitch. O elemento demoníaco inerente ao próprio ator manifesta-se brilhantemente em sua atuação, especialmente no monólogo final.
A ideia filosófica do romance sobre a divisão das pessoas em “criaturas trêmulas” e “aqueles que têm o direito” sempre manterá sua relevância na Rússia. No entanto, cada época confere a essa ideia suas características únicas e reconhecíveis. No final de sua peça de estreia, Anton Yakovlev cita um trecho ao qual toda a ação do espetáculo conduz logicamente.
«Ele sonhava, na sua doença, que o mundo inteiro estava condenado a ser vítima de alguma peste terrível, nunca antes ouvida ou vista… Todos deveriam perecer, exceto alguns poucos escolhidos. Surgiram alguns novos espíritos que se apossavam dos corpos das pessoas. Esses seres eram dotados de inteligência e vontade. As pessoas que os acolhiam em si mesmas tornavam-se imediatamente possessas. Mas nunca antes as pessoas se consideraram tão inteligentes e inabaláveis na verdade como essas infectadas. Nunca consideraram nada mais inabalável do que seus julgamentos, suas conclusões científicas, suas convicções e crenças morais. Cidades inteiras e nações inteiras eram infectadas e enlouqueciam. Cada um pensava que a verdade residia apenas em si. Não sabiam quem e como julgar, não conseguiam concordar sobre o que considerar mal e o que considerar bem. As pessoas começaram a acusar umas às outras, a lutar e a se cortar, a matar umas às outras em uma raiva sem sentido. Reuniam-se em exércitos inteiros, mordiam e comiam umas às outras. Abandonaram os ofícios mais comuns, porque cada um propunha suas próprias ideias, suas próprias correções, e não conseguiam concordar uns com os outros. Tudo e todos pereciam. A praga crescia e avançava cada vez mais. Apenas algumas pessoas em todo o mundo puderam ser salvas, estas eram puras e eleitas, destinadas a iniciar uma nova raça de pessoas e uma nova vida, a renovar e purificar a terra…
Mas ninguém e em lugar algum viu essas pessoas, ninguém ouviu suas palavras e suas vozes…»
Não observamos por toda parte a demonstração de uma “exclusividade” irritante e ostensiva? Exclusividade na riqueza, nas opiniões, na influência — em todas as esferas possíveis? O Teatro Gógol estabelece um diálogo sério com seu público sobre este tema premente.
Em particular, conversamos sobre isso com o diretor Anton Yakovlev após a apresentação.
— Em cada um de nós vive uma partícula de Raskólnikov. Somos intolerantes, egoístas, complacentes, muitas vezes excessivamente agressivos. Mesmo que você não planeje ou cometa um assassinato físico específico, mas apenas admita em seus pensamentos a divisão das pessoas segundo o princípio — quem “tem o direito” e quem é “uma criatura trêmula” — você já está perto do precipício. Mas a fé e o amor de uma pessoa específica podem salvar qualquer um de nós. É a única coisa que nos dá a chance de não nos transformarmos completamente em animais. Se Sônia não tivesse aparecido em seu caminho, ele, obviamente, teria perecido como pessoa. Esta é uma história terrível e muito moderna. E hoje vejo como muitas pessoas que perderam a fé se tornam um receptáculo ideal para o demônio.
O final da peça, posso definir como minha declaração ética sobre o que está acontecendo conosco no mundo de hoje, e uma humilde esperança de que possamos nos tornar melhores. Algum dia. Vamos, pelo menos, acreditar nisso.
