Дмитрий Бертман представил новую версию «Похождений повесы»
A encenação de `The Rake`s Progress` de Stravinsky na Helikon-Opera era muito esperada. Esta é uma daquelas situações em que a expressão “estreia muito aguardada” não é um mero slogan publicitário, mas um reflexo do sentimento real em relação ao evento. Em primeiro lugar, pelo próprio material: esta ópera não é encenada com frequência na Rússia. Em segundo lugar, pelo nome do encenador: esta produção de Dmitry Bertman é a primeira desde `Madame Butterfly` no ano passado. Em terceiro lugar, pela importância do compositor no repertório da Helikon – `Mavra`, uma partitura inicial de Stravinsky, marcou o início da história da Helikon. E agora – `The Rake`s Progress`. A última ópera do compositor clássico do século XX é apresentada no palco que leva o seu nome.
Igor Stravinsky compôs `The Rake`s Progress` no início dos anos 50. Os experimentos modernistas haviam ficado para trás, e chegou a chamada “clarificação do estilo”. Os compositores académicos do século XX, que haviam complicado a sua linguagem musical ao extremo e, portanto, entraram em conflito socioestético com a música pop, jazz, rock, música de cinema e musicais, reagiram de diferentes formas a esta confrontação emergente. Alguns aplicaram uma política de “dois pesos e duas medidas” – “uma coisa para a filarmónica, outra para o cinema”. Outros retiraram-se para uma emigração vanguardista do tipo “que me ouça um pequeno grupo de pessoas com ideias semelhantes, e que se lixem os outros”. E alguns conseguiram alcançar um belo compromisso, mantendo a sua identidade autoral, mas ao mesmo tempo simplificando em certa medida os meios da sua linguagem musical e tornando-a mais acessível ao público. Igor Stravinsky é o líder entre os compositores deste último tipo. Não é à toa que a sua ópera `The Rake`s Progress` é considerada um modelo de neoclassicismo. A partitura, que estiliza Handel, Mozart, Gluck, o bel canto italiano e outros padrões clássicos, está densamente saturada de técnicas, entonações, harmonias e ritmos característicos exclusivamente do grande Igor Stravinsky.
Por mais significativo que seja a leitura cénica de `The Rake`s Progress`, a prioridade aqui sempre foi, é e será o trabalho com a partitura. É incrivelmente complexa, refinada e engenhosa. As partes vocais são um exemplo da cantilena específica do século XX: a melodia e a beleza das frases vocais clássicas em combinação com um desenho intonacional complexo. O diretor musical da produção, Maestro Valery Kiryanov, conseguiu juntar este puzzle. Todo o elenco de solistas estava impecável. Tanto Inna Zvenyatskaya, inicialmente agressivamente excêntrica e depois comovente, no papel de Baba the Turk, quanto Olga Spitsyna (Mother Goose), que parodia a Rainha Elizabeth de forma muito divertida. A terna e lírica Alexandra Sokolova no papel de Anne – ela realmente parece um anjo, na imagem do qual aparece ao protagonista na cena final. E a dupla Daniil Garkunov – Konstantin Brzhinsky (Tom Rakewell e Nick Shadow) – é uma história à parte que merece atenção especial. Ambos os artistas não apenas interpretam as suas partes de forma excelente, mas também se tornam visualmente condutores da ideia da ópera: o diabo não está apenas ao nosso lado – ele está dentro de nós. E basta ceder às tentações do mundo material, ele aparece na hora certa – tira a alma num piscar de olhos.
A orquestra demonstra as cores tímbricas de diferentes grupos orquestrais e instrumentos solistas – eis o tema a soar nos metais, depois um fragmento de sopros de madeira, aqui soou o grupo de cordas, entrou a trompa, cantou o trompete, e eis – o cravo sombrio nos recitativos secco. Tudo isso é colorido, expressivo e responsável. Portanto, não é à toa que os solistas da orquestra são mencionados no programa. Uma das características do texto musical de Stravinsky é a combinação polirrítmica astuta das partes vocal e orquestral. E aqui tudo depende do maestro. O Maestro Kiryanov uniu de forma delicada e magistral o tecido orquestral com a linha vocal e permitiu desfrutar da música mágica das árias complexas de Tom, Anne, outros heróis, bem como dos duos e ensembles polifónicos complexos.
A partitura e o libreto estão cheios de alusões, citações, referências a arquétipos conhecidos – aqui estão todos os tipos de Don Juans, pecados capitais, covis infernais, um jogo de cartas fatal, um hospício, e a escuridão de um cemitério. A beleza é que tudo isso não é paródico, não é engraçado, não é irónico. Não há aqui quaisquer sinais da estética pós-modernista que submete tudo a uma ironia total. Assim escreveu Stravinsky, e assim o viu Bertman. Sem dúvida, há grotesco na encenação – tanto na cena do leilão metafórico conduzido pelo mestre da trupe da Helikon, Vadim Zaplechny (Sellem), quanto na orgia tumultuosa no covil de Mother Goose, mas mesmo ele não destrói a entonação geral de uma séria declaração moral e espiritual.
Os tradicionais gnomos europeus que decoram o paraíso bucólico onde Anne e Tom existem no início dos eventos, no final transformar-se-ão em gnomos vivos que assombram o enlouquecido Tom. E isto não é engraçado, mas sim comovente e triste. O famoso coro da Helikon nesta produção é um dos principais protagonistas. E a sua presença em palco faz o espetáculo parecer um musical. Os figurinos do artista austríaco Hartmut Schörghofer transformam o coro ora numa chocante multidão do estabelecimento de Mother Goose, ora em cínicos habitantes de Londres, ora em gnomos loucos habitantes do Bedlam. E, como sempre, o coro executa tarefas plásticas complexas (coreógrafo Edvald Smirnov) ao nível do ballet profissional.
Talvez apenas um elemento tenha “aterrado” nesta produção do arsenal da “Helikon inicial”, inclinada para a atualização e modernização – um laptop nas mãos do diabo Nick Shadow, funcionando como uma espécie de aparelho maravilhoso. Mas se tais gadgets existissem nos tempos de Stravinsky – ele certamente os teria incluído na sua história.
A ópera é apresentada em russo – na tradução de Natalia Rozhdestvenskaya, que foi feita para a primeira encenação da ópera na Rússia em 1978. E isso também relaciona a produção com o género musical. O que, por mais surpreendente que pareça, não contradiz em nada a música de Stravinsky: afinal, ele sempre esteve em sintonia com o seu tempo.
